Catégorie : Expositions

André Kasper, pein­tures^{Hôtesse d’accueil, huile sur toile, 120 x 80 cm, 2018.}

André s’ex­prime sur son tra­vail de 2018, quelque temps avant son expo­si­tion à la Galerie HumuS, du 30 novem­bre au 18 févri­er en un entre­tien avec Géral­dine Veyrat, his­to­ri­enne de l’art à Genève

Le léger et le grave

Géral­dine Veyrat : André, je con­state que tu vas présen­ter beaucoup
de petits for­mats à cette expo­si­tion, c’est inhab­ituel : peux-tu nous dire
quelques mots sur ce choix ?

André Kasper : J’étais habitué au grand for­mat, avec ses larges bross­es, ses grands gestes, je voy­ais le petit for­mat, de fig­ure surtout, comme un coin de sujet, une esquisse. Je red­outais de devoir être pré­cis, pein­dre des por­traits, des corps avec un pinceau de trois cheveux…

En fait, il est très stim­u­lant de met­tre en place une scène en quelques coups de pinceau, sans ces heures d’enduit, d’aller-retour du chevalet au fond de l’atelier pour éval­uer à dis­tance con­ven­able son tra­vail sur le grand for­mat. J’y retrou­ve une sorte de légèreté, due à l’économie de moyens, dans la touche et dans cer­tains sujets. Et j’ai davan­tage styl­isé les formes, pour éviter les trois cheveux. Je compte user de cette styl­i­sa­tion égale­ment dans les grands for­mats à venir. Et con­tin­uer à pein­dre des petits for­mats pour eux-mêmes.

G.V. : On con­nais­sait de toi des paysages som­bres mar­qués par une ambiance énig­ma­tique et des vues de salles d’attente, peu­plées d’êtres en sus­pens, ren­fer­més ou désta­bil­isés… Tes oeu­vres, jusqu’à présent, étaient empreintes d’une cer­taine grav­ité. Or, avec les nus que tu présentes ici, la légèreté et l’humour font soudain irrup­tion : ne crains-tu pas la superficialité ?

A.K. : Non, mais il y a là un jeu exigeant. Sans doute ma palette s’est éclair­cie ces dernières années et le clair-obscur n’est plus le seul recours pour taire les con­tours inutiles au réc­it, mais je m’efforce tou­jours de faire cohab­iter le léger et le grave, d’aborder les thèmes uni­versels – qui sont à la base de l’activité artis­tique – sans dis­cours, mais dans l’enveloppe du quo­ti­di­en. Et le petit for­mat sup­pose une intim­ité qui me per­met de traiter utile­ment des sujets qui, en grand for­mat, appa­raî­traient comme noyés dans une débauche de moyens.

G.V. : Tu as quit­té un ate­lier étroit en vieille-ville pour un autre beau­coup plus grand, à la cam­pagne. Même si, dans les deux cas – les oeu­vres présen­tées à la Galerie HumuS le prou­vent – la magie créa­trice opère, n’éprouves-tu pas une forme de con­tra­dic­tion à tra­vailler des petits for­mats dans un grand espace ?

A.K. : Oui, c’est vrai que ma recherche m’a con­duit au petit for­mat au moment où j’ai enfin un ate­lier spa­cieux ! Mais j’y ai aus­si peint quelques grands for­mats et dans tous les cas, de l’espace et du recul, c’est for­mi­da­ble ! J’entreprends des toiles en tout genre sans crain­dre de ne pas leur trou­ver une place pour séch­er, un clou pour les observ­er à bonne distance. 

Et dans ce nou­v­el ate­lier, je suis en con­tact direct avec la nature. Une vue très vaste, des ani­maux, du bocage, des prés et des verg­ers… J’apprécie cet échange entre l’atelier et cette cam­pagne, qui m’offre sa beauté con­crète, atmo­sphérique, changeante, dans ses effets de lumière, ses rythmes, ses heures. Tout cela ali­mente ma peinture.

G.V. : On sent qu’à tra­vers la con­trainte du petit for­mat tu t’es davan­tage famil­iarisé avec la mise en scène de fig­ures. Du côté des por­traits, on sent aus­si plus de plaisir et de rapid­ité dans l’exécution… Par­lons un peu de ton réalisme…

A.K. : J’utilise le réal­isme parce que c’est le lan­gage com­pris de tous, mais je ne cède à des gestes appliqués que là où le sujet l’exige. Avec le temps, je vais plus directe­ment à l’essentiel, qui peut être un détail dans un coin ou un reflet exact dans une pupille. Ma pein­ture reste une pein­ture de syn­thèse, un mélange de choses vues et de sou­venirs, de vis­ages qui s’invitent dans mes por­traits, de pro­por­tion et d’échelle dis­crète­ment affec­tives, der­rière la logique.

Meubles d’artistes

• Né en 1953 à Morges, Yves Bou­card obtient son diplôme de menuisi­er, puis d’ébéniste à l’Ecole des métiers de la ville de Lausanne.
• De 1975 à 1983, il séjourne et pour­suit sa for­ma­tion en arts visuels à Van­cou­ver, San Fran­cis­co, Rio de Janeiro et Paris.
• Nom­breuses expo­si­tions per­son­nelles en Suisse, Alle­magne, Bel­gique et USA.
• Pièces dans des col­lec­tions publiques, com­man­des de mobiliers pour des bâtiments.
• En 2017, expo­si­tion aux Galeries HumuS et Fil­am­bule, Lau­sanne

Pub­li­ca­tions :

• Auf dem Sofa durch die Wüste
• (Tra­ver­sée du désert sur un canapé)
• Edi­teur Jür­gen Häuss­er, Darm­stadt, 1994
• Le jardin de Bou­card (Nou­veaux meubles)
• Edi­teur Modo, Freiburg, 2000
• Entre ciel et terre (Meubles sculptures)
• Cat­a­logue et DVD.
• Edi­teur Vil­la Am Aabach, 2004
• 20 times more
• Edi­teur Modo, Freiburg, 2008

Les meubles-sculp­tures d’Yves Bou­card nous emmè­nent dans un jardin poé­tique où la flo­re et la faune sont les prin­ci­pales sources de son imag­i­naire. Avec une espiè­g­lerie sub­tile, Bou­card con­fère au mobili­er habituelle­ment rigide une autonomie libre de toute con­ven­tion : « Un meu­ble doit com­porter un bon degré de fini­tion, être con­fort­able, mais rap­pel­er aus­si que la fan­taisie est pos­si­ble.» L’artiste réalise son mobili­er à par­tir de bois mas­sif, de mul­ti­plis bouleau ou de placage, par­fois de fibre de verre enduite de résine époxy. Ses références com­pren­nent tant les arts pre­miers que les ébénistes du XVI­I­Ie siè­cle ou les créa­teurs du XXe.

Exposition du 9 septembre au 29 octobre 2016

Je m’appelle Pao­lo Maz­zuchel­li, né à Lugano en jan­vi­er 1954. Mon surnom – Pam –est lié à l’onomatopée des coups de pis­to­lets d’un film de Ser­gio Leone…
Le Tessin, dans les années 60 et 70, pous­sait à larguer les amar­res dès que pos­si­ble. Entre 1971 et 1975, j’ai fréquenté l’Académie des Beaux-Arts de Brera, à Milan. A par­tir de ma curiosité envers le monde psychédélique, j’ai développé mes premières créations artis­tiques imprégnées par le surréalisme, le mou­ve­ment Cobra, Louis Sout­ter, Edward Kienolz, Sebas­t­ian Matta… 

Ensuite, je me suis intéressé à l’expressionisme abstrait et à la «matière» ain­si qu’aux Action­nistes autrichiens. Dans la pein­ture, j’avait aus­si la pos­si­bilité de transférer une par­tie de mes lec­tures : Ibsen, Brecht, Beck­ett, Strind­berg, Kaf­ka, Jung… En cette période, ma recherche était fondée sur le «signe», que j’atteignais en «grat­tant et creu­sant» afin d’arriver à une écriture dessinée. Ayant ter­miné mes études à Milan, j’ai choisi d’interpréter la vie à tra­vers l’Art.

Dès 1982, j’ai tra­vaillé avec d’autres artistes : Fran­co Bel­tram­et­ti (poète), Fran­co Lafran­ca (imprimeur d’art), Fab­rizio Scar­avag­gi (écrivain), Fioren­zo Laf­franchi (éditeur et anar­chiste), Dona De Car­li (pho­tographe), etc. J’ai aus­si passé quelques périodes à Zurich. Tem­po­raire­ment employé, en 1989, dans un pro­jet fédéral (Inven­taire des voies de com­mu­ni­ca­tion his­toriques — IVS), j’ai tra­vaillé en soli­taire dans les vallées du Haut-Tessin, y découvrant une affi­nité spir­ituelle avec le monde des «petites choses». Cette méthode d’observation, nou­velle pour moi, m’a per­mis de sen­tir intu­itive­ment l’intelligence uni­verselle liée à la nature et de com­pren­dre com­bi­en la présence humaine est for­tu­ite et rel­a­tive depuis les débuts. J’ai ain­si com­mencé à dessin­er les formes végétatives qui prolifèrent dans mon tra­vail depuis désormais vingt ans.

En 2014, avec la prétention de découvrir de pos­si­bles change­ments, j’ai recom­mencé à intégrer la présence humaine dans mes œuvres. Dans ces pau­vres corps, dans leurs aperçus, dans ces « quarts » inanimés, il est peut‑être pos­si­ble de trou­ver une réponse raisonnable au sens de notre exis­tence. Si je voulais exagérer, je prétendrais «découvrir le pourquoi de notre présence sur terre».

Expo­si­tions :

Depuis 1976, j’ai par­ticipé à différentes expo­si­tions col­lec­tives et per­son­nelles en Suisse et dans les pays voisins. J’ai pris part à des con­cours inter­na­tionaux et nationaux.

En 1992 et 1993, j’ai obtenu deux Bours­es fédérales des Beaux-Arts.

en 2016 : Galerie HumuS, Lausanne

En 2018, le Musée can­ton­al de Lugano organ­is­era une expo­si­tion monographique.

L'exposition est prolongée jusqu'au 20 août

Ouvert du mercredi au vendredi de 12h à 19h, le samedi de 12h à 18h

Marie Morel est née le 3 sep­tem­bre 1954.
Elle a une enfance privilégiée, en pleine nature, dans les Alpes de Haute Provence.
Issue d’un milieu famil­ial très artis­tique, sa mère Odette Ducarre est pein­tre et archi­tecte, son père Robert Morel est écrivain et éditeur.
Marie peint et écrit, tout naturelle­ment, dans
ce ter­reau famil­ial et, à neuf ans, elle déclare qu’elle sera pein­tre, elle ne chang­era pas d’idée. Elle fait, parallèlement à la pein­ture, des études au con­ser­va­toire de musique (flûte traversière et piano, puis plus tard vio­lon­celle), et va en même temps à l’École nationale du cirque à Paris, tout en con­tin­u­ant de pein­dre et d’écrire.
A vingt ans, Marie décide de faire essen­tielle­ment de la peinture.
Mul­ti­ples expo­si­tions, cat­a­logues, pub­li­ca­tion de livres et création d’une revue d’art : Regard.
Marie Morel vit dans un petit vil­lage isolé dans
la mon­tagne dans le sud du Jura, où elle peint.

^{Aux édi­tions HumuS:}

 ^{Dix con­tes autour des ani­maux et des plaisirs des corps humains, mais sans s’emmêler ! Pierre Bourgeade : romanci­er, auteur dra­ma­tique, essay­iste, pho­tographe. Ecrivain éro­tique recon­nu, il n’a cessé de par­courir les par­ages sul­fureux de la lux­u­re. Marie Morel : des­sine, découpe, encolle, enlu­mine, peint, méta­mor­phose… Pas­sion­née par la forêt et les oiseaux, elle trou­ve aus­si son énergie créa­trice dans les pul­sions du désir, entre tour­ments et joies. 21×24, 68 pages, relié}